Στο Met Breuer, Thinking Inside the Box

Το νέο φυλάκιο σύγχρονης τέχνης του Met ανοίγει για το κοινό στις 18 Μαρτίου. Οι επικεφαλής κριτικοί τέχνης μας, η Roberta Smith και ο Holland Cotter, έριξαν μια πρώτη ματιά.

Από αριστερά, το Βάπτισμα του Χριστού του Jacopo da Ponte και δύο έργα Τιτσιάνων, Το Πέταγμα του Μαρσύα και Η Αγωνία στον Κήπο.Πίστωση...Ο Φίλιπ Γκρίνμπεργκ για τους New York Times

Υποστηριζόμενο από



Συνεχίστε να διαβάζετε την κύρια ιστορία

Αυτή η κριτική είναι της Roberta Smith. Ανάγνωση Ο Holland Cotter παίρνει εδώ .

Μετά από ενάμιση χρόνο αναμονής, το σεβαστό Μητροπολιτικό Μουσείο Τέχνης ανέλαβε επιτέλους το κτήριο Marcel Breuer του Μουσείου Αμερικανικής Τέχνης Whitney στη λεωφόρο Madison, υποσχόμενο να διευρύνει και να εμβαθύνει τη ενασχόλησή του με τη μοντέρνα και τη σύγχρονη τέχνη. Με την επωνυμία Met Breuer - με την πιο λεπτή εμφάνιση από τους αρχιτέκτονες Beyer Blinder Belle - αυτή η κίνηση είναι το πρώτο βήμα ενός σχεδίου που θα περιλαμβάνει μια νέα πτέρυγα 600 εκατομμυρίων δολαρίων και στο κτίριο της Πέμπτης Λεωφόρου του Met.

Για όσους αναρωτήθηκαν αν το Met θα αμφισβητούσε το Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης ή το κέντρο της πόλης Whitney, οι δύο εναρκτήριες παραστάσεις στο Met Breuer είναι περισσότερο σαν ένα δάχτυλο στο νερό της σύγχρονης τέχνης παρά με την αναμενόμενη βουτιά.

Το μικρότερο από τα δύο είναι μια όμορφη έρευνα των στενά συνδεδεμένων σχεδίων και φωτογραφιών του Nasreen Mohamedi (1937-1990) της Ινδίας, που έγινε τελικά γνωστή για το οραματικό, πολιτισμικά προσανατολισμένο όραμά της για τον Μινιμαλισμό. Στον δεύτερο όροφο του κτιρίου, αντικατοπτρίζει τη δέσμευση του Met στη μη δυτική τέχνη.

Το «Unfinished» και το «Nasreen Mohamedi» στο Met Breuer

18 Φωτογραφίες

Προβολή παρουσίασης

Jake Naughton για τους New York Times

Κατακλύζεται κάπως από τη μεγαλύτερη, πιο θορυβώδη, μερικές φορές ασυνάρτητη κερκίδα της δυτικής τέχνης που είναι Ημιτελή: Σκέψεις που έμειναν ορατές . Γεμίζοντας τον τρίτο και τον τέταρτο όροφο, αυτή η εκτεταμένη προσπάθεια είναι πιο συναρπαστική στις πρώτες ενότητες της, πριν από το 1820, όπου συνδυάζει πολυάριθμα έργα από τη συλλογή του Met (περίπου το ένα τρίτο της παράστασης) με θεαματικά δάνεια που σπάνια παρατηρούνται στις Ηνωμένες Πολιτείες. Αυτά τα δανεικά έργα του Τιτσιάν, του Λεονάρντο, του Ρέμπραντ και του Ρούμπενς το κάνουν μια εντυπωσιακή υπερπαραγωγή. Τα πράγματα είναι πολύ πιο ήμερα στον επάνω όροφο, όπου η παράσταση μειώνεται προς το παρόν.

Η ιδέα της εξέτασης ημιτελών έργων από τον 15ο αιώνα μέχρι σήμερα είναι επίκαιρη, διαφωτιστική και ευχάριστη στο πλήθος. Το σημαντικότερο σημείο είναι ότι το Met, ως ένα από τα μεγαλύτερα εγκυκλοπαιδικά μουσεία του κόσμου, έχει μια μοναδική δυνατότητα να ενσωματώσει τη σύγχρονη και σύγχρονη τέχνη. Αλλά το Unfinished αφήνει αυτό το δυναμικό ως επί το πλείστον ανεκμετάλλευτο και το Met πολύ στη ζώνη άνεσής του, με παλαιότερη τέχνη σε μια ερμητικά κλειστή ευρωκεντρική φούσκα.

Το Met είναι μόνο ένα από τα πολλά μουσεία με μια επιθετική περίπτωση FOMO, ή τον φόβο της απώλειας. Ανεξάρτητα από το μέγεθος ή την ιστορική εστίαση, κανένα μουσείο δεν θέλει να μείνει πίσω όταν πρόκειται για το πιο πρόσφατο πράγμα. Ποιος μπορεί να τους κατηγορήσει;

Ο κόσμος της σύγχρονης τέχνης είναι ένα από τα πιο λαμπρά μπιχλιμπίδια στην επεκτεινόμενη κουλτούρα που πλέον συνδυάζει ψηλά και χαμηλά. αναλογική και ψηφιακή? ψυχαγωγία και μόδα. Αυτός ο κόσμος είναι ευρέως γνωστός για τις υψηλές του τιμές, την κοινωνική άνοδο, την πτώση των διασημοτήτων και τα τοξικά επίπεδα του εγώ. Περισσότεροι από τους μισούς συλλέκτες πιστεύεται ότι αγοράζουν σύγχρονη τέχνη, γεγονός που καθιστά τη συμμετοχή σε αυτήν όλο και πιο σημαντική για την προσέλκυση διαχειριστών και δωρητών καθώς και επισκεπτών. Ως αποτέλεσμα, η σύγχρονη τέχνη είναι πιο ορατή από οποιαδήποτε άλλη στιγμή στην ιστορία της τέχνης, παρόλο που αυτό που τραβάει το μεγαλύτερο μέρος της προσοχής δεν είναι παρά ένα μικρό κλάσμα του πραγματικού κόσμου της τέχνης.

Ακόμη και τα μουσεία που είναι σταθερά τοποθετημένα στο παρελθόν, προχωρούν γρήγορα. Μπορείτε να δείτε παραστάσεις ζωντανών ζωγράφων στην Εθνική Πινακοθήκη του Λονδίνου, όπου η συλλογή σταματούσε με τον γαλλικό ιμπρεσιονισμό, και στο Λούβρο. Η Βιβλιοθήκη & Μουσείο Morgan, η οποία εδώ και καιρό ήταν λάτρεις των σπάνιων βιβλίων και γνώστες του σχεδίου, έχει προχωρήσει στην εγκατάσταση εγκαταστάσεων στο μεγάλο αίθριο Renzo Piano, το οποίο έχει σπρώξει τις παραδοσιακές γκαλερί αυτού του ιδρύματος στο περιθώριο. Από τότε που μετεγκαταστάθηκε σε διευρυμένες συνοικίες στη Φιλαδέλφεια το 2012, το Ίδρυμα Barnes έχει οργανώσει εκθέσεις εργασίας από τη Yinka Shonibare, την Ellen Harvey και την Ellsworth Kelly.

Εικόνα Η έκθεση εξετάζει ημιτελή έργα από τον 15ο αιώνα έως σήμερα, διευρύνοντας περαιτέρω την ιδέα της ατελείας.

Πίστωση...Ο Φίλιπ Γκρίνμπεργκ για τους New York Times

Ενώ εγκυκλοπαιδικά μουσεία όπως το Met ιδρύθηκαν σε μεγάλο βαθμό ως αποθήκες παλαιότερων πολιτισμών, η συλλογή και η προβολή σύγχρονης τέχνης είναι μια λογική επέκταση της εντολής τους. Και ταιριάζει εύκολα σε μικρότερα, νεότερα εγκυκλοπαιδικά ιδρύματα όπως το Μουσείο Τέχνης της Κομητείας του Λος Άντζελες, όπου η σύγχρονη τέχνη κατείχε πάντα εξέχουσα θέση στο προφίλ της. Αλλά το Met είναι τεράστιο και παλιό, με ιστορία να αντιμετωπίζει τη σύγχρονη τέχνη ως εκ των υστέρων. Το να το αλλάξεις είναι σαν να γυρίζεις ένα υπερωκεάνιο. Ο καπετάνιος και το πλήρωμα ίσως προχωρούν με προσοχή.

Το Unfinished είναι το ίδιο λίγο ημιτελές, με ένα δεύτερο ημίχρονο τόσο διαφορετικό από το πρώτο του που αποτελεί μια άλλη παράσταση. Στην αρχή, όμως, είναι ζωντανό με περίεργες πάπιες που ξαφνιάζουν το μάτι, εκθέτουν τεχνικά μυστικά και μας αφήνουν να παρακολουθήσουμε τη δημιουργική διαδικασία να ξετυλίγεται.

Εικόνα

Πίστωση...Jake Naughton για τους New York Times

Ακριβώς έξω από το ασανσέρ υπάρχει το υπέροχο Titian's Gory, The Flaying of Marsyas, μέχρι την Τσεχία, που μπορεί να περιλαμβάνει τη δουλειά μεταγενέστερων χεριών, και το συναρπαστικά επεισοδιακό του The Agony in the Garden από το Prado, στο οποίο μια σκληρή κοπή κίτρινο για το φανάρι ενός Ρωμαίου στρατιώτη και η σχεδόν φωτογραφικά ακριβής αλυσιδωτή αλληλογραφία του αστράφτει μέσα στη νύχτα. Στην επόμενη γκαλερί βρίσκεται το υπέροχο μικρό κόσμημα του Jan van Eyck, St. Barbara, από την Αμβέρσα, κατασκευασμένο το 1437 και το πρώτο έργο της παράστασης. Ένας εξαίσιος συνδυασμός σχεδίασης μεταλλικών σημείων και πινέλου στο πάνελ, δείχνει την αγία να κάθεται στο έδαφος μέσα σε ένα τοπίο με τα άμφια της, ενώ στο βάθος ένας καθεδρικός ναός κοσμεί τις πύλες του Παραδείσου.

Στις σιλουέτες των μορφών της Ιερής Οικογένειας του Perino del Vaga με τον Άγιο Ιωάννη τον Βαπτιστή, το αραχνοειδές μελάνι αποκαλύπτει μικροσκοπικές φιγούρες, σημάδια μιας εντελώς διαφορετικής σκηνής που ο καλλιτέχνης εγκατέλειψε. Το κεφάλι και οι ώμοι μιας γυναίκας του Λεονάρντο (La Scapigliata), περίπου το 1500-05, έχει ένα πρόσωπο τόσο γυαλιστερό που θα μπορούσε να είναι σκαλισμένο σε ελεφαντόδοντο αλλά ελάχιστα υπονοούμενα τρέσες. Πλαισιώνεται από ένα από τα σχέδια του καλλιτέχνη και ένα άλλο από τον Michelangelo. Και πέρα ​​από αυτά κρέμεται το υπέροχο ξεκίνημα του Peter Paul Rubens στον Henri IV στη μάχη του Ivry, με τους άνδρες και τα άλογά του τόσο ζωντανά με κυμαινόμενες γραμμές και αναθεωρήσεις που θα μπορούσαν να είναι κινούμενα.

Εικόνα

Πίστωση...Jake Naughton για τους New York Times

Εικόνα

Πίστωση...Jake Naughton για τους New York Times

Το γιατί ένα δεδομένο έργο θεωρείται ημιτελές συζητείται σχεδόν σε κάθε ετικέτα τοίχου, έχει υποστηριχθεί για γενιές από μελετητές και γνώστες, και μερικές φορές εξακολουθεί να είναι. Ο Μιχαήλ Άγγελος και ο Λεονάρντο ήταν θρυλικοί επειδή ξεκίνησαν περισσότερο από ό,τι τελείωσαν, παρασυρόμενοι σε άλλα έργα από το δικό τους ταλέντο αναζήτησης, τις απαιτήσεις των θαμώνων ή τις απρόβλεπτες καθυστερήσεις. Ο Ρούμπενς πήρε λάθος μετρήσεις για τη σκηνή μάχης του, άφησε τη δουλειά στην άκρη και δεν επέστρεψε ποτέ σε αυτήν. Ο Άγιος Βαρθολομαίος του Ρέμπραντ, στον οποίο ένα υπέροχο κεφάλι και ένα χέρι αναδύονται από μια τραχιά, καφέ επιφάνεια, πιστεύεται ότι ανήκει σε μια σειρά από πορτρέτα αγίων που υποδηλώνουν την αρχή του απόκοσμου όψιμου στυλ του. Σε επιτοίχια κείμενα διάφορα μεγάλα ονόματα —ο Ρωμαίος συγγραφέας Πλίνιος, Ντελακρουά, Πικάσο και επίσης ο Ρέμπραντ— ανακοινώνουν ότι το να τελειώσεις ένα έργο σημαίνει να το σκοτώσεις.

Μια άτυπη διάκριση προκύπτει από νωρίς. Non finito - ένας όρος που χρησιμοποιήθηκε ενεργά στην Αναγέννηση - αναφέρεται κυρίως σε ένα έργο που ένας καλλιτέχνης έκρινε τελειωμένο, παρόλο που μπορεί να φαίνεται ημιτελές. Ένα ημιτελές έργο συνήθως αφήνεται ημιτελές ακούσια, συχνά με το θάνατο ενός καλλιτέχνη (μια κατάσταση που επισημαίνεται εδώ στην ετικέτα).

Εικόνα

Πίστωση...Jake Naughton για τους New York Times

Εικόνα

Πίστωση...Jake Naughton για τους New York Times

Εκτός από αυτές τις δύο μεγάλες κατηγορίες, υπάρχουν οπτικές, σχεδόν στιλιστικές, διακρίσεις. Μερικές φορές οι εξαιρετικά λεπτομερείς, σχεδόν τελειωμένοι πίνακες περιλαμβάνουν φιγούρες που είναι σχεδιασμένες μόνο. οι σιλουέτες τους μπορεί να μοιάζουν με φαντάσματα ή μαρμάρινα γλυπτά. Αντίθετα, τα πορτρέτα καλλιτεχνών που κυμαίνονται από τον Rosso Fiorentino του 16ου αιώνα έως την Alice Neel του 20ου —που φαίνονται σε μία από τις λίγες αλλά αποτελεσματικές μίξεις χρονικών περιόδων της παράστασης— συνδυάζουν συχνά πρόσωπα με ακρίβεια ζωγραφισμένα και σώματα με χαλαρή σκιαγράφηση. Αυτό μερικές φορές γινόταν για να εστιάσει την προσοχή και να δημιουργήσει οικειότητα και ζωντάνια. Σε άλλες περιπτώσεις, ο συνδυασμός έδειχνε απώλεια ενδιαφέροντος, όπως με τη μεγάλη αυτοπροσωπογραφία του Lucian Freud Reflection, Fragment, όπου κουβάρια τραβηγμένων γραμμών σχηματίζουν μια σκαλωσιά γύρω από το φαινομενικά τελειωμένο πρόσωπο του καλλιτέχνη.

Υπάρχουν κατά τα άλλα τελειωμένοι πίνακες με απροσδιόριστα μέρη – όπως τα θολά μανίκια και τα χέρια στο Πορτρέτο μιας κυρίας και της κόρης του Τιτσιάν – ή ημιτελείς προσπάθειες που είναι σχετικά θολές παντού, όπως η σκηνή μάχης του Ρούμπενς. Και μετά υπάρχουν απόλυτες ανωμαλίες, όπως το πορτρέτο του Άντον Ραφαέλ Μενγκς το 1775 μιας Ισπανίδας ευγενούς με ένα κενό σε σχήμα σκύλου στην αγκαλιά της και ένα τριμμένο πρόσωπο που προμηνύει τον Μαγκρίτ.

Εικόνα

Πίστωση...Jake Naughton για τους New York Times

Εικόνα

Πίστωση...Jake Naughton για τους New York Times

Οι ερωτήσεις για το φινίρισμα συχνά γίνονται τυχαίες με την εμπειρία των ίδιων των έργων. Ο αποκαλυπτικός πίνακας του Gustav Klimt, Posthumous Portrait of Ria Munk III, συνδυάζει χαλαρό πινέλο και πιο χαλαρό σχέδιο, αποφεύγοντας την κλειστοφοβία που προκαλεί ορισμένες από τις πλήρως τελειωμένες προσπάθειές του. Μια αυτοπροσωπογραφία του Edvard Munch που δεν ξεπέρασε ποτέ το στάδιο του σχεδίου έχει μια φασματική δύναμη. Τα καλύτερα από τα πέντε παραδείγματα των καθυστερημένων, πιθανώς ημιτελών θαλασσινών τοπίων του J. M. W. Turner μπορούν να προκαλέσουν ένα είδος παγώματος του εγκεφάλου καθώς αιωρούνται μεταξύ ανόητου και άπειρου, ρεαλιστικού και αφηρημένου.

Προς τα τέλη του 19ου αιώνα, το Unfinished αρχίζει να χάνει τη δυναμική του, ισοπεδώνοντας σε ένα είδος κυνηγιού Where's Waldo για τα ημιτελή κομμάτια.

Η έκθεση διοργανώθηκε από δύο επιμελητές του Met, την Andrea Bayer του τμήματος ευρωπαϊκής ζωγραφικής και την Kelly Baum του τμήματος Μοντέρνας και Σύγχρονης Τέχνης, με τη συμβολή της Sheena Wagstaff, προέδρου του τμήματος μοντέρνας και σύγχρονης τέχνης του Met. Στην εισαγωγή του καταλόγου γράφουν ότι το εύρος της παράστασης είναι σχετικά περιορισμένο και επιλεκτικό και σημειώνουν ότι θα μπορούσαν να είχαν επιδιωχθεί και άλλες κατευθύνσεις.

Εικόνα

Πίστωση...Jake Naughton για τους New York Times

Αρχίζεις να σκέφτεσαι πώς η παράσταση θα μπορούσε να είχε πει μια πιο αιχμηρή, αλλά πιο περιεκτική, ιστορία. Είναι πραγματικά απαραίτητοι τρεις πίνακες του Φρόιντ, παρόλο που ο μεγαλύτερος ήταν στο καβαλέτο του τη στιγμή του θανάτου του; Δύο εκδόσεις του Honoré Daumier's Man on a Rope έχουν μια ξεφλουδισμένη τραχύτητα που ανοίγει ένα νέο παράθυρο στη διαδικασία εργασίας του. Αλλά το The Third-Class Carriage του, το οποίο είναι σχεδόν πάντα σε προβολή στο Met, φαίνεται περιττό. Για τον ίδιο λόγο, το ίδιο συμβαίνει και με το Manet’s The Funeral.

Ο κατάλογος καθιστά πιο ξεκάθαρο από τις ετικέτες των τοίχων ότι η ιστορία της δυτικής τέχνης, και ιδιαίτερα της ζωγραφικής, είναι από πολλές απόψεις μια πορεία μακριά από την υψηλή στιλπνότητα προς το ανολοκλήρωτο, που είναι πρωταρχικό του μοντερνισμού. Ωστόσο, η τελευταία γκαλερί στον τρίτο όροφο έχει λίγα να δείξει από αυτό, εκτός από έναν εντυπωσιακό βαν Γκογκ, εν μέρει ωμό και εν μέρει μαγειρεμένο.

Και στην αρχή του τέταρτου ορόφου, η έκθεση περιορίζεται ξαφνικά σε δύο ονόματα μαρκίζας: μια συζήτηση για αποσπασματικές πινελιές μεταξύ πολλών πινάκων του Σεζάν και του Πικάσο κάτω από το βλέμμα του τεράστιου αλλά άτονου riff λάδι σε καμβά του Luc Tuymans σε μια από τις ακουαρέλες του Σεζάν. νεκρές φύσεις. Δεν υπάρχει καμία σημαντική συνεισφορά από τον Matisse, έναν μάστορα του non finito — τίποτα σαν την πρόχειρη, ακόμα συγκλονιστική άποψή του της Παναγίας των Παρισίων στο Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης, με το διαφανές του χρώμα και το έντονο σχέδιο, ή ακόμα και τα πασχαλιά του Met. Ολόκληρα κινήματα όπως ο Φωβισμός ή ο Γερμανικός Εξπρεσιονισμός απουσιάζουν. Οι πιθανότητες να παρεκκλίνουμε από τον κανόνα χάνονται. Γιατί όχι κάτι της Paula Modersohn-Becker (1876-1907), της οποίας οι περισσότεροι πίνακες θεωρήθηκαν αρχικά ημιτελείς;

Εικόνα

Πίστωση...2016 Estate of Pablo Picasso/Artists Rights Society (ARS), Νέα Υόρκη; Jake Naughton για τους New York Times

Καθώς η παράσταση αρχίζει να παρακάμπτει τη μεταπολεμική περίοδο μέχρι σήμερα, γίνεται μια ονομαστική κλήση καλλιτεχνών με blue chip, εγκεκριμένους από δημοπρασίες, οι περισσότεροι από τους οποίους εκπροσωπούνται από μια χούφτα εμπορικές γκαλερί.

Υπάρχουν μερικά υπέροχα έργα και σημεία στα οποία κάνει κλικ η εγκατάσταση. Η ανησυχητική Γυναίκα σε μια κόκκινη πολυθρόνα του Πικάσο το 1931 —που εκτέθηκε δημόσια για πρώτη φορά— έχει το άτονο σώμα της Marie-Thérèse Walter, αλλά ένα πρόσωπο ουσιαστικά βανδαλισμένο από έναν χείμαρρο από ασπρόμαυρες πινελιές και μια καρδιά με περίγραμμα. Το Untitled του Kerry James Marshall είναι ένα εξιδανικευμένο πορτρέτο μιας μαύρης γυναίκας ζωγράφου που συνδυάζει το υψηλό φινίρισμα με τρεις περιπτώσεις ημιτελούς. φαίνεται όμορφο δίπλα σε έναν από τους πίνακες ζωγραφικής του Γουόρχολ.

Εικόνα

Πίστωση...Ο Φίλιπ Γκρίνμπεργκ για τους New York Times

Εικόνα

Πίστωση...Ο Φίλιπ Γκρίνμπεργκ για τους New York Times

Αξιοθέατα καλωσορίσματος παρέχονται από το Jasper Johns’s Voice, από το 1964-67, έναν αναθεωρημένο πίνακα που παρουσιάζεται κατά την κατασκευή του. Brice Marden's Untitled (Cold), μια εντυπωσιακή επέκταση στον κυβισμό από το 1985-86. Το μεταλλαγμένο Slides of Changing Painting του Robert Gober. και τα παράξενα τελευταία έργα του Cy Twombly, μια σουίτα έξι διαδοχικών συνθέσεων στις οποίες το βαθύ πράσινο και το λευκό ξεπερνούν τα κάδρα τους, σαν κατάφυτα αμπέλια. Η τελευταία γκαλερί έχει ένα άλλο εξαιρετικό μείγμα γενεών, αυτή τη φορά εικονιστική γλυπτική των Rodin, Medardo Rosso, Bruce Nauman, Louise Bourgeois, Rebecca Warren και Alina Szapocznikow.

Σχεδόν σε κάθε σημείο η τέχνη στο Unfinished θα μπορούσε να είχε ανακατευτεί περισσότερο, με τρόπους μικρό και μεγάλο. Αντί για δύο Mondrians, γιατί να μην συνδυάσετε το μεγαλύτερο με κάτι σαν τον Fin, τον τελευταίο πίνακα του Stuart Davis, ο οποίος είναι παρόμοιος σε μέγεθος, ήθος και χρήση ταινίας; Και ίσως ακόμη και να βάλετε τη ζωγραφική του Τζάκσον Πόλοκ δίπλα στη μάχη του Ρούμπενς; (Είναι λίγα εκατοστά από το να έχουν ακριβώς το ίδιο μέγεθος.) Θα ήταν πιο νευρικό και λιγότερο προβλέψιμο. Το Pollock δεν θα μπορούσε να φαίνεται πιο περίεργο από ό,τι τώρα, ανάμεσα σε πίνακες του Yayoi Kusama και του Roman Opalka.

Εικόνα

Πίστωση...2016 Cy Twombly Foundation; Jake Naughton για τους New York Times

Το ερώτημα για το τι ακριβώς κάνει η Met στο κτίριο Breuer δεν έχει ακόμη απαντηθεί με σαφήνεια. Το μουσείο βρίσκεται σε σταθερό έδαφος με την έρευνα του Mohamedi και επίσης όταν ζωντανεύει παλαιότερη τέχνη, μερικές φορές με λιγότερο παλιά τέχνη, όπως στα πρώτα μέρη του Unfinished. Αλλά γύρω από τη σύγχρονη τέχνη, η καμπύλη εκμάθησής της φαίνεται πιο απότομη από το αναμενόμενο.

Το δεύτερο μισό του Unfinished θα μπορούσε να έχει φτάσει ακόμη και πέρα ​​από τη Δύση, τουλάχιστον κάνοντας μια προσποίηση στην παγκοσμιοποίηση που διαφημίζει η Met. Το πρώτο του βήμα μπορεί να ήταν να συμπεριλάβει ένα από τα σχέδια της κας Μοχάμεντι από την έκθεση στον κάτω όροφο. Τα ιδιότυπα πλέγματα τους συχνά υποδηλώνουν άπειρη επέκταση πέρα ​​από τις άκρες τους με τρόπο που σπάνια κάνει ο τοπικός μινιμαλισμός. Αλλά ίσως δεν μπορείτε να κατηγορήσετε το Met που αναζητά τον ίδιο κατάλογο καλλιτεχνών που συγκινεί τόσους πολλούς επιμελητές μουσείων σήμερα. Κανείς τους δεν θα μπορεί να σκεφτεί έξω από το κουτί μέχρι να αναγνωρίσει τουλάχιστον τους τοίχους του.