Ο Robert Rauschenberg, Αμερικανός καλλιτέχνης, πέθανε σε ηλικία 82 ετών

Ο Robert Rauschenberg στο σπίτι και στο στούντιο του στην Captiva, Fla., το 2005.

Ο Robert Rauschenberg, ο ακαταμάχητα παραγωγικός Αμερικανός καλλιτέχνης που αναμόρφωσε ξανά και ξανά την τέχνη τον 20ό αιώνα, πέθανε τη Δευτέρα το βράδυ στο σπίτι του στο Captiva Island της Φλόριντα. Ήταν 82 ετών.

Η αιτία ήταν καρδιακή ανεπάρκεια, είπε ο Arne Glimcher, πρόεδρος της PaceWildenstein, της γκαλερί του Μανχάταν που εκπροσωπεί τον κ. Rauschenberg.

Το έργο του κ. Rauschenberg έδωσε νέο νόημα στη γλυπτική. Το φαράγγι, για παράδειγμα, αποτελούνταν από έναν παραγεμισμένο φαλακρό αετό που ήταν κολλημένος σε έναν καμβά. Το μονόγραμμα ήταν μια γεμισμένη κατσίκα ζωσμένη από ένα ελαστικό πάνω από ένα ζωγραφισμένο πάνελ. Το κρεβάτι περιελάμβανε ένα πάπλωμα, σεντόνι και μαξιλάρι, στριμωγμένο με μπογιά, σαν βουτηγμένο στο αίμα, κορνίζα στον τοίχο. Όλα έγιναν εικόνες του μεταπολεμικού μοντερνισμού.

Ζωγράφος, φωτογράφος, χαράκτης, χορογράφος, ερμηνευτής επί σκηνής, σκηνογράφος και, στα μετέπειτα χρόνια, ακόμη και συνθέτης, ο κ. Rauschenberg αψήφησε την παραδοσιακή ιδέα ότι ένας καλλιτέχνης μένει σε ένα μέσο ή ένα στυλ. Έσπρωχνε, παρακινούσε και μερικές φορές ξανασυνέλαβε όλα τα μέσα στα οποία δούλευε.

Βασισμένος στην κληρονομιά του Marcel Duchamp, του Kurt Schwitters, του Joseph Cornell και άλλων, βοήθησε να συγκαλυφθούν οι γραμμές μεταξύ ζωγραφικής και γλυπτικής, ζωγραφικής και φωτογραφίας, φωτογραφίας και χαρακτικής, γλυπτικής και φωτογραφίας, γλυπτικής και χορού, γλυπτικής και τεχνολογίας, τεχνολογίας και περφόρμανς ?? για να μην πω μεταξύ τέχνης και ζωής.

Ο κ. Rauschenberg συνέβαλε επίσης καθοριστικά στην προώθηση της αμερικανικής τέχνης από τον Αφηρημένο Εξπρεσιονισμό, το κυρίαρχο κίνημα όταν εμφανίστηκε, στις αρχές της δεκαετίας του 1950. Έγινε ένας μετασχηματιστικός σύνδεσμος μεταξύ καλλιτεχνών όπως ο Τζάκσον Πόλοκ και ο Γουίλεμ ντε Κούνινγκ και εκείνων που ακολούθησαν, καλλιτέχνες που ταυτίστηκαν με την Ποπ, τον Εννοιολογισμό, το Χάπενινγκ, την Τέχνη των Διαδικασιών και άλλα νέα είδη τέχνης στα οποία έπαιξε σημαντικό ρόλο.

Κανένας Αμερικανός καλλιτέχνης, είπε κάποτε ο Jasper Johns, δεν εφηύρε περισσότερα από τον κ. Rauschenberg. Οι κύριοι Τζονς, Τζον Κέιτζ, Μερς Κάνινγκχαμ και Ράουσενμπεργκ, χωρίς να μοιράζονται ακριβώς την ίδια άποψη, όρισαν συλλογικά αυτή τη νέα εποχή πειραματισμού στην αμερικανική κουλτούρα.

Για τον κ. Rauschenberg, ο Cage είπε κάποτε, η ομορφιά είναι τώρα κάτω από τα πόδια όπου κι αν κάνουμε τον κόπο να κοιτάξουμε. Ο Κέιτζ εννοούσε ότι οι άνθρωποι είχαν έρθει για να δουν, μέσω των προσπαθειών του κ. Rauschenberg, όχι μόνο ότι οτιδήποτε, συμπεριλαμβανομένων των σκουπιδιών στο δρόμο, θα μπορούσε να είναι το υλικό της τέχνης (αυτό δεν ήταν από μόνο του καινούργιο), αλλά ότι θα μπορούσε να είναι το υλικό ενός η τέχνη φιλοδοξεί να είναι όμορφη ?? ότι υπήρχε μια πιθανή ποιητική ακόμη και στην καταναλωτική υπερφαγία, την οποία πανηγύρισε ο κ. Rauschenberg.

Λυπάμαι πραγματικά για τους ανθρώπους που πιστεύουν ότι πράγματα όπως τα πιάτα με σαπούνι ή οι καθρέφτες ή τα μπουκάλια κόκας είναι άσχημα, είπε κάποτε, επειδή περιτριγυρίζονται από τέτοια πράγματα όλη την ημέρα και αυτό πρέπει να τους κάνει να δυστυχούν.

Η παρατήρηση αντανακλούσε την αισιοδοξία και τη γενναιοδωρία του πνεύματος για την οποία έγινε γνωστός ο κ. Rauschenberg. Το έργο του παρομοιάστηκε με έναν Άγιο Βερνάρδο: ανεμπόδιστο και κυρίως καλοσυνάτο. Θα μπορούσε να είναι με τον ίδιο τρόπο προσωπικά. Όταν έγινε πλούσιος, έδωσε εκατομμύρια δολάρια σε φιλανθρωπικά ιδρύματα για γυναίκες, παιδιά, ιατρική έρευνα, άλλους καλλιτέχνες και δημοκρατικούς πολιτικούς.

Ένας θρασύς, αγενής, σκληροτράχηλος, ανοιχτόμυαλος Νότιος, είχε μια γοητεία και μια περίεργη δελφική ευδαιμονία με γλώσσα που κάλυπτε μια περίπλοκη προσωπικότητα και μια εξίσου πολυεπίπεδη συναισθηματική προσέγγιση της τέχνης, η οποία εξελίχθηκε όπως το ανάστημά του. Έχοντας αρχίσει να φτιάχνει ιδιόρρυθμες, μικρής κλίμακας συνθέσεις από σκουπίδια που έβρισκε στο δρόμο στο κέντρο του Μανχάταν, πέρασε όλο και περισσότερο χρόνο στα τελευταία του χρόνια, αφού είχε γίνει επιτυχημένος και διάσημος, σε τεράστια διεθνή έργα και συνεργασίες που μοιάζουν με πρεσβευτές.

Σχεδιασμένο στο τεράστιο στούντιο του στο νησί Captiva, στη νοτιοδυτική Φλόριντα, αυτά τα έργα ήταν τεράστιου μεγέθους και φιλοδοξίας. για πολλά χρόνια εργάστηκε σε ένα που κυριολεκτικά μεγάλωσε για να ξεπεράσει το μήκος του τίτλου του, The 1/4 Mile or 2 Furlong Piece. Γενικά δεν ανταποκρίθηκαν στα προηγούμενα επιτεύγματά του. Ακόμα κι έτσι, διατήρησε την ησυχία του ως προς τα αποτελέσματα. Η πρωτεϊνική παραγωγικότητα συμβαδίζει με τον κίνδυνο, ένιωθε, και το ρίσκο μερικές φορές σήμαινε αποτυχία.

Η διαδικασία ?? ένας αυτοσχεδιαστικός, αντιδιαισθητικός τρόπος να κάνεις πράγματα ?? ήταν πάντα αυτό που είχε μεγαλύτερη σημασία για εκείνον. Το να σκας τα πράγματα είναι αρετή, είπε όταν ήταν 74 ετών. Το να είσαι σωστός δεν είναι ποτέ το ζητούμενο. Έχω μια σχεδόν φανατικά σωστή βοηθό, και μέχρι να ξαναγράψει τα λόγια μου και να διορθώσει τα σημεία στίξης μου, δεν μπορώ να διαβάσω τι έγραψα. Το να έχεις δίκιο μπορεί να σταματήσει όλη την ορμή μιας πολύ ενδιαφέρουσας ιδέας.

Αυτή η στάση τον ώθησε επίσης, όπως είπε κάποτε ο ζωγράφος Jack Tworkov, να δει πέρα ​​από αυτό που αποφάσισαν οι άλλοι ότι πρέπει να είναι τα όρια της τέχνης.

Κάνει συνέχεια την ερώτηση;; Και είναι μια φοβερή φιλοσοφική ερώτηση, αν τα αποτελέσματα είναι σπουδαία τέχνη ή όχι, είπε ο κ. Tworkov, και το ζήτημά του έχει επηρεάσει μια ολόκληρη γενιά καλλιτεχνών.

Μια λυσσασμένη, σεβαστή αναχώρηση

Αυτή η γενιά ήταν αυτή που έσπασε από τον Πόλοκ και την παρέα. Ο κ. Rauschenberg διατήρησε έναν βαθύ αλλά άτακτο σεβασμό για τους αφηρημένους εξπρεσιονιστές ήρωες όπως ο de Kooning και ο Barnett Newman. Ως γνωστόν, κάποτε έσβησε με κόπο ένα σχέδιο του ντε Κούνινγκ, μια πράξη καταστροφής και αφοσίωσης. Οι κριτικοί θεώρησαν τους ολόμαυρους πίνακες και τους ολοκόκκινους πίνακες που έκανε στις αρχές της δεκαετίας του 1950 ως πλαστή του ντε Κούνινγκ και του Πόλοκ. Οι πίνακες είχαν επιφάνειες με φουσκωτές φυσαλίδες φτιαγμένες από θραύσματα εφημερίδων ενσωματωμένων στο χρώμα.

Εικόνα

Πίστωση...Art Rauschenberg Estate/Με άδεια από VAGA, Νέα Υόρκη, Νέα Υόρκη

Αλλά αυτά ήταν τόσο αφιερώματα όσο και παρωδίες. Ο Ντε Κούνινγκ, ο ίδιος παρωδός, είχε ενσωματώσει κομμάτια εφημερίδων σε φωτογραφίες και ο Πόλοκ κόλλησε αποτσίγαρα σε καμβάδες.

Το Automobile Tire Print του Mr. Rauschenberg, από τις αρχές της δεκαετίας του 1950 ?? που προέκυψε από την οδήγηση του Cage με ένα μελανωμένο ελαστικό ενός μοντέλου A Ford πάνω από 20 φύλλα λευκού χαρτιού ?? κορόιδεψε τους διάσημους πίνακες ζωγραφικής του Νιούμαν.

Ταυτόχρονα, ο κ. Rauschenberg επεκτείνονταν την τέχνη του Newman. Η στάμπα του ελαστικού μεταμόρφωσε το φερμουάρ του Newman ?? μια αφηρημένη γραμμή σε ένα μονόχρωμο σκηνικό με πνευματικές αξιώσεις ?? σε ένα τεχνούργημα της καθημερινής κουλτούρας, που για τον κ. Rauschenberg είχε τη δική του υπερβατική διάσταση.

Ο κ. Rauschenberg αναφέρθηκε συχνά σε αυτοκίνητα και διαστημόπλοια, ενσωματώνοντας ακόμη και αληθινά ελαστικά και ποδήλατα στην τέχνη του. Αυτό αντανακλούσε εν μέρει τη δική του ανήσυχη, περιπατητική φαντασία. Η ιδέα της κίνησης επεκτάθηκε λογικά όταν ασχολήθηκε με τον χορό και την παράσταση.

Υπήρχε, κάτω από αυτό, ένα σκοτάδι σε πολλά από τα έργα του, παρά την ασέβεια τους. Το κρεβάτι (1955) ήταν γοτθικό. Οι ολόμαυροι πίνακες ήταν πανηγυρικοί και κλειστοί. Οι κόκκινοι πίνακες έμοιαζαν απανθρακωμένοι, με λωρίδες υφάσματος που έμοιαζαν με επιδέσμους, από τους οποίους έσταζε η μπογιά σαν αίμα. Η συνέντευξη (1955), που έμοιαζε με ντουλάπι ή ντουλάπι με πόρτα, που περικλείει φωτογραφίες ταυρομάχων, ένα pinup, ένα γυμνό Michelangelo, ένα πιρούνι και ένα softball, πρότεινε κάποιο ερωτικό μήνυμα με μαύρο χιούμορ.

Υπήρχαν πολλές άλλες εικόνες καταπιεσμένων και μοναχικών ανθρώπων, κατατρεγμένων στη σκέψη. εικόνες αρχαίων τοιχογραφιών, εκτός εστίασης σαν να θυμούνται οι μισοί. φωτογραφίες ερημικών, παραμελημένων τοποθεσιών. κομμάτια από μακρινούς τόπους που μεταδίδουν ένα είδος νοσταλγίας ή αποστασιοποίησης. Συνδυάζοντας αυτά τα πράγματα, η τέχνη υπονοούσε παρηγοριά.

Ο κ. Rauschenberg, ο οποίος ήξερε ότι δεν ήταν όλοι εύκολο να κατανοήσουν το ανοιχτό τέλος του έργου του, περιέγραψε κάποτε στον συγγραφέα Calvin Tomkins μια συνάντηση με μια γυναίκα που είχε αντιδράσει με σκεπτικισμό στο Monogram (1955-59) και στο Bed το 1963. αναδρομική στο Εβραϊκό Μουσείο, ένα από τα γεγονότα που εξασφάλισαν τη φήμη του κ. Rauschenberg: Για εκείνη, όλες οι αποφάσεις μου φάνηκαν απολύτως αυθαίρετες; σαν να μπορούσα εξίσου να έχω επιλέξει οτιδήποτε ?? και επομένως δεν υπήρχε νόημα, και αυτό το έκανε άσχημο.

Της είπα λοιπόν ότι αν επρόκειτο να περιγράψω τον τρόπο που ήταν ντυμένη, μπορεί να ακούγεται πολύ σαν αυτό που έλεγε. Για παράδειγμα, είχε φτερά στο κεφάλι της. Και είχε αυτή την καρφίτσα από σμάλτο με μια εικόνα του «The Blue Boy» καρφωμένη στο στήθος της. Και γύρω από το λαιμό της είχε αυτό που θα έλεγε βιζόν, αλλά αυτό που θα μπορούσε επίσης να περιγραφεί ως δέρμα νεκρού ζώου. Λοιπόν, στην αρχή ήταν λίγο προσβεβλημένη από αυτό, νομίζω, αλλά μετά επέστρεψε και είπε ότι είχε αρχίσει να καταλαβαίνει.

Μεγαλώνοντας με αποκόμματα

Ο Milton Ernest Rauschenberg γεννήθηκε στις 22 Οκτωβρίου 1925, στο Port Arthur του Τέξας, μια μικρή πόλη διυλιστηρίου όπου ήταν πολύ εύκολο να μεγαλώσεις χωρίς να δεις ποτέ πίνακα, είπε. (Στην ενηλικίωση μετονόμασε τον εαυτό του σε Ρόμπερτ.) Ο παππούς του, γιατρός που μετανάστευσε από τη Γερμανία, είχε εγκατασταθεί στο Τέξας και παντρεύτηκε έναν Τσερόκι. Ο πατέρας του, Έρνεστ, εργαζόταν σε μια τοπική εταιρεία κοινής ωφέλειας. Η οικογένεια ζούσε τόσο λιτά που η μητέρα του, Ντόρα, του έφτιαχνε πουκάμισα από υπολείμματα υφάσματος. Κάποτε έφτιαξε μια φούστα από το πίσω μέρος του κοστουμιού στο οποίο ήταν θαμμένος ο μικρότερος αδερφός της. Δεν ήθελε το υλικό να πάει χαμένο.

Για το δώρο της αποφοίτησής του, ο κ. Rauschenberg ήθελε ένα έτοιμο πουκάμισο, το πρώτο του. Όλα αυτά διαμόρφωσαν την τέχνη του τελικά. Μια δεκαετία περίπου αργότερα έγραψε ιστορία με τις δικές του συνθέσεις απορριμμάτων και έτοιμων προϊόντων: γλυπτά και μουσικά κουτιά από κιβώτια συσκευασίας, πέτρες και σχοινί. και πίνακες όπως οι Yoicks, ραμμένοι από υφασμάτινες λωρίδες. Του άρεσε να φτιάχνει κάτι από το τίποτα.

Ο κ. Rauschenberg σπούδασε για λίγο φαρμακολογία στο Πανεπιστήμιο του Τέξας στο Ώστιν προτού επιστρατευτεί κατά τη διάρκεια του Β' Παγκοσμίου Πολέμου. Είδε τους πρώτους πίνακές του στην Πινακοθήκη Huntington στην Καλιφόρνια, ενώ βρισκόταν στο Σαν Ντιέγκο ως ιατρικός τεχνικός στο Ναυτικό Νοσοκομείο. Του σκέφτηκε ότι ήταν δυνατό να γίνει ζωγράφος.

Παρακολούθησε το Ινστιτούτο Τέχνης του Κάνσας Σίτι στο G.I. Ο Bill, ταξίδεψε στο Παρίσι και γράφτηκε στην Académie Julian, όπου γνώρισε τη Susan Weil, μια νεαρή ζωγράφο από τη Νέα Υόρκη που επρόκειτο να εισέλθει στο Black Mountain College στη Βόρεια Καρολίνα. Έχοντας διαβάσει και θαυμάσει τον Josef Albers, τότε επικεφαλής των καλών τεχνών στο Black Mountain, ο κ. Rauschenberg εξοικονόμησε αρκετά χρήματα για να έρθει μαζί της.

Ο κ. Άλμπερς ήταν πειθαρχικός και αυστηρός μοντερνιστής, ο οποίος, σοκαρισμένος από τον μαθητή του, αργότερα αρνήθηκε ότι γνώριζε τον κ. Ράουσενμπεργκ. Από την άλλη, ο κ. Rauschenberg τον ανακαλούσε ως έναν όμορφο δάσκαλο και έναν αδύνατο άνθρωπο.

Δεν ήταν εύκολο να μιλήσω μαζί του και βρήκα την κριτική του τόσο βασανιστική και τόσο καταστροφική που ποτέ δεν τη ζήτησα, πρόσθεσε ο κ. Rauschenberg. Χρόνια αργότερα, όμως, εξακολουθώ να μαθαίνω αυτά που μου δίδαξε.

Μεταξύ άλλων, έμαθε να διατηρεί ανοιχτό μυαλό προς τα υλικά και τα νέα μέσα, τα οποία υποστήριξε ο κ. Άλμπερς. Ο κ. Rauschenberg κέρδισε επίσης σεβασμό για το πλέγμα ως απαραίτητο εργαλείο οργάνωσης σύνθεσης.

Για λίγο, μετακόμισε μεταξύ της Νέας Υόρκης, όπου σπούδασε στο Art Students League με τους Vaclav Vytlacil και Morris Kantor, και το Black Mountain. Την άνοιξη του 1950 παντρεύτηκε με την κα Weil. Ο γάμος κράτησε δύο χρόνια, κατά τη διάρκεια των οποίων απέκτησαν έναν γιο, τον Κρίστοφερ, ο οποίος του επιβίωσε, μαζί με τον σύντροφο του κ. Rauschenberg, Darryl Pottorf.

Όντας ο επισκέπτης του John Cage

Ο κ. Rauschenberg πειραματίστηκε εκείνη την εποχή με χαρτί σχεδιαγράμματος για να δημιουργήσει αρνητικά σιλουέτας. Οι φωτογραφίες δημοσιεύτηκαν στο περιοδικό Life το 1951. Μετά από αυτό, ο κ. Rauschenberg δόθηκε στην πρώτη του ατομική έκθεση, στην επιδραστική Betty Parsons Gallery.

Όλοι προσπαθούσαν να εγκαταλείψουν την ευρωπαϊκή αισθητική, θυμάται, εννοώντας τον Πικάσο, τους σουρεαλιστές και τον Ματίς. Αυτός ήταν ο αγώνας και αντικατοπτρίστηκε στον φόβο των συλλεκτών και των κριτικών. Ο John Cage είπε ότι ο φόβος στη ζωή είναι ο φόβος της αλλαγής. Αν μπορώ να προσθέσω σε αυτό: τίποτα δεν μπορεί να αποφύγει την αλλαγή. Είναι το μόνο πράγμα στο οποίο μπορείτε να βασιστείτε. Επειδή η ζωή δεν έχει άλλη δυνατότητα, ο καθένας μπορεί να μετρηθεί από την προσαρμοστικότητά του στην αλλαγή.

Ο Κέιτζ απέκτησε έναν πίνακα από το σόου της Μπέτι Πάρσονς. Πέρα από αυτό, ο κ. Rauschenberg δεν πούλησε απολύτως τίποτα. Ευγνώμων, συμφώνησε να φιλοξενήσει τον Κέιτζ στο πατάρι του. Καθώς άρεσε στον κ. Rauschenberg να λέει την ιστορία, το μόνο μέρος για να καθίσετε ήταν σε ένα στρώμα. Ο Κέιτζ άρχισε να φαγούρα. Τηλεφώνησε στον κ. Ράουσενμπεργκ μετά για να του πει ότι το στρώμα του πρέπει να έχει κοριούς και ότι, καθώς ο Κέιτζ έφευγε για λίγο, ο κ. Ράουσενμπεργκ μπορούσε να μείνει στο σπίτι του. Ο κ. Rauschenberg αποδέχτηκε την προσφορά. Σε αντάλλαγμα, αποφάσισε ότι θα αγγίξει τον πίνακα που είχε αποκτήσει ο Κέιτζ, ως ένα είδος ευχαριστίας, βάφοντάς τον ολόμαυρο, βρισκόμενος στη μέση της νέας, ολόμαυρης περιόδου του. Όταν ο Κέιτζ επέστρεψε, δεν διασκέδασε.

Και οι δύο σκεφτήκαμε, «Εδώ ήταν κάποιος πιο τρελός από εμένα», υπενθύμισε ο κ. Rauschenberg. Το 1952 ο κ. Rauschenberg μεταπήδησε σε ολόλευκους πίνακες που, εκ των υστέρων, έμοιαζαν πνευματικά με το διάσημο βουβό μουσικό κομμάτι του Cage, κατά το οποίο ένας πιανίστας κάθεται για 4 λεπτά και 33 δευτερόλεπτα στο πληκτρολόγιο χωρίς να βγάζει ήχο. Οι πίνακες του κ. Rauschenberg, όπως και η μουσική, κατά μία έννοια έγιναν Rorschachs και σκηνικά για περιβαλλοντικά, τυχαία γεγονότα, σαν περαστικές σκιές.

Πάντα πίστευα ότι οι λευκοί πίνακες δεν ήταν παθητικές αλλά πολύ ?? Καλά ?? Υπερευαίσθητος, είπε σε έναν συνεντευκτή το 1963. Για να μπορέσουν οι άνθρωποι να τους κοιτάξουν και να δουν σχεδόν πόσα άτομα βρίσκονταν στο δωμάτιο από τις σκιές που έριχναν ή τι ώρα της ημέρας ήταν.

Περνώντας σε όλη την Ευρώπη και τη Βόρεια Αφρική με τον καλλιτέχνη Cy Twombly για λίγους μήνες μετά, ο κ. Rauschenberg άρχισε να συλλέγει και να συναρμολογεί αντικείμενα ?? κομμάτια από σχοινί, πέτρες, μπαστούνια, κόκαλα; τα οποία έδειξε σε έναν έμπορο στη Ρώμη που τα εξέθεσε με τον τίτλο scatole contemplative, ή κουτιά σκέψης. Προβλήθηκαν στη Φλωρεντία, όπου ένας αγανακτισμένος κριτικός πρότεινε στον κ. Ράουσενμπεργκ να τα πετάξει στο ποτάμι. Σκέφτηκε ότι ακουγόταν σαν καλή ιδέα. Έτσι, εξοικονομώντας λίγα σκάτολα για τον εαυτό του και τους φίλους του, βρήκε ένα απομονωμένο σημείο στον Άρνο. «Ακολούθησα τη συμβουλή σου, έγραψε στον κριτικό.

Ωστόσο, το scatole ήταν ζωτικής σημασίας για την ανάπτυξή του, θέτοντας τις βάσεις για μεγαλύτερες, πιο περίτεχνες συνθέσεις, όπως το «Monogram». Πίσω στη Νέα Υόρκη, ο κ. Ράουσενμπεργκ έδειξε τους ολόλευκους πίνακές του και μετά το σβησμένο του ντε Κουνινγκ, το οποίο του είχε δώσει ο Ντε Κούνινγκ να σβήσει, μια χειρονομία που ο κ. Ράουσενμπεργκ βρήκε εκπληκτικά γενναιόδωρη, και όλα αυτά τον ενίσχυσαν. φήμη ως το νέο μωρό τρομερό του κόσμου της τέχνης.

Εκείνη την εποχή γνώρισε επίσης τον κύριο Τζονς, άγνωστο τότε, ο οποίος είχε ένα στούντιο στο ίδιο κτίριο στην οδό Περλ, όπου ο κ. Ράουσενμπεργκ είχε μια σοφίτα. Η οικειότητα της σχέσης τους τα επόμενα χρόνια, ένα καταναλωτικό θέμα για μεταγενέστερους βιογράφους και ιστορικούς, συνέπεσε με την παραγωγή από τους δυο τους μερικών από τα πιο ρηξικέλευθα έργα μεταπολεμικής τέχνης.

Με τα περίφημα λόγια του κ. Rauschenberg, έδωσαν ο ένας στον άλλον την άδεια να κάνει αυτό που θέλαμε. Ζώντας μαζί σε μια σειρά από σοφίτες στο Κάτω Μανχάταν μέχρι τη δεκαετία του 1960, αντάλλαξαν ιδέες και υποστήριξαν τον εαυτό τους σχεδιάζοντας βιτρίνες για την Tiffany & Company και την Bonwit Teller με το συνεργατικό ψευδώνυμο Matson Jones.

Μαζί με τους συνδυασμούς όπως το Monogram and Canyon (1959), ο κ. Rauschenberg εκείνη την περίοδο ανέπτυξε μια τεχνική μεταφοράς σχεδίασης, διαλύοντας τυπωμένες εικόνες από εφημερίδες και περιοδικά με ένα διαλύτη και στη συνέχεια τρίβοντάς τες σε χαρτί με ένα μολύβι. Η διαδικασία, που χρησιμοποιήθηκε για έργα όπως το 34 Drawings for Dante’s Inferno, δημιούργησε την εντύπωση κάτι φυγόπονου, εξαίσιου και μυστικού. Ίσως υπήρχε μια αυτοβιογραφική και αισθησιακή πτυχή σε αυτό. Του επέτρεψε να συνδυάσει εικόνες σε μια επιφάνεια σε ένα είδος σουρεαλιστικού εφέ, το οποίο έγινε η βάση για τα έργα που έκανε σε όλη τη μετέπειτα καριέρα του, όταν προσάρμοσε τη μέθοδο μεταφοράς στον καμβά.

Καθοριστικός ρόλος σε αυτή την τεχνική εξέλιξη τότε ήταν η Tatyana Grossman, η οποία τον ενθάρρυνε και τον καθοδήγησε καθώς έφτιαχνε εκτυπώσεις στο εργαστήριό της, Universal Limited Art Editions, στο Long Island. ξεκίνησε επίσης μακροχρόνια σχέση με τους Διδύμους Γ.Ε.Λ. εργαστήριο στο Λος Άντζελες, που παράγει λιθογραφίες όπως η σειρά Stoned Moon του 1970, με τις αναφορές της στην προσγείωση στο φεγγάρι.

Η σχέση του με το θέατρο και τον χορό είχε ήδη ξεκινήσει από τη δεκαετία του 1950, όταν άρχισε να σχεδιάζει σκηνικά και κοστούμια για τον κύριο Κάνινγκχαμ, τον Πολ Τέιλορ και την Τρίσα Μπράουν και για τις δικές του παραγωγές. Το 1963 χορογράφησε το Pelican, στο οποίο έπαιξε με πατίνια φορώντας ένα αλεξίπτωτο και κράνος του σχεδίου του με τη συνοδεία ενός μαγνητοσκοπημένου κολάζ ήχου. Αυτή η γοητεία με τη συνεργασία και τη μίξη τέχνης και τεχνολογιών συνδυάστηκε με μια ακόμη προσπάθεια. Με τον Billy Klüver, μηχανικό στα Bell Telephone Laboratories, και άλλους, ξεκίνησε το Experiments in Art and Technology, ένα μη κερδοσκοπικό ίδρυμα για την προώθηση κοινών έργων καλλιτεχνών και επιστημόνων.

Ένας κόσμος επαίνου

Το 1964 περιόδευσε στην Ευρώπη και την Ασία με την Merce Cunningham Dance Company, την ίδια χρονιά εξέθεσε στη Γκαλερί Whitechapel στο Λονδίνο και στην Μπιενάλε της Βενετίας ως εκπρόσωπος των Ηνωμένων Πολιτειών. Αυτό σφράγισε τη διεθνή του φήμη. Η Sunday Telegraph του Λονδίνου τον χαιρέτισε ως τον πιο σημαντικό Αμερικανό καλλιτέχνη μετά τον Τζάκσον Πόλοκ. Έφυγε με το διεθνές μεγάλο βραβείο στη Βενετία, ο πρώτος σύγχρονος Αμερικανός που το κέρδισε. Ο κ. Rauschenberg είχε γίνει, σχεδόν παρά τον εαυτό του, θεσμός.

Ακολούθησαν μεγάλες εκθέσεις κάθε δεκαετία μετά, συμπεριλαμβανομένης μιας στο Κέντρο Πομπιντού στο Παρίσι το 1981, άλλης στο Γκούγκενχαϊμ το 1997 και άλλη μια στο Μουσείο Σύγχρονης Τέχνης του Λος Άντζελες που προσγειώθηκε στο Μητροπολιτικό Μουσείο το 2005.

Όταν δεν ταξίδευε τα τελευταία χρόνια, βρισκόταν στο Captiva, ζώντας στην αρχή σε ένα λιτό παραθαλάσσιο σπίτι και εργαζόταν σε ένα μικρό στούντιο. Με τον καιρό έγινε ο μεγαλύτερος ιδιοκτήτης κατοικιών σε αυτό το νησί Gulf Coast, ενώ διατηρούσε επίσης ένα αρχοντικό στο Greenwich Village στη Νέα Υόρκη. Απέκτησε τη γη στην Captiva αγοράζοντας παρακείμενα ακίνητα από ηλικιωμένους γείτονες τους οποίους άφησε να μένουν χωρίς ενοίκιο στα σπίτια τους, τα οποία διατηρούσε για αυτούς. Συσσώρευσε 35 στρέμματα, 1.000 πόδια μπροστά στην παραλία και εννέα σπίτια και στούντιο, συμπεριλαμβανομένου ενός διώροφου στούντιο 17.000 τετραγωνικών ποδιών με θέα σε μια πισίνα. Είχε σχεδόν ό,τι είχε απομείνει από την τροπική ζούγκλα στο νησί.

Μετά από ένα εγκεφαλικό το 2002 που άφησε τη δεξιά πλευρά του παράλυτη, ο κ. Rauschenberg έμαθε να δουλεύει περισσότερο με το αριστερό του χέρι και, με έναν θίασο βοηθών, παρέμεινε παραγωγικός για αρκετά χρόνια στο γιγάντιο στούντιο του.

Συνήθως δουλεύω σε μια κατεύθυνση μέχρι να ξέρω πώς να το κάνω, μετά σταματάω, είπε σε μια συνέντευξη εκεί. Την ώρα που βαριέμαι ή καταλαβαίνω ?? Χρησιμοποιώ αυτές τις λέξεις εναλλακτικά ?? έχει δημιουργηθεί άλλη όρεξη. Πολλοί άνθρωποι προσπαθούν να σκεφτούν ιδέες. δεν είμαι ένας. Προτιμώ να δεχτώ τις ακαταμάχητες δυνατότητες αυτού που δεν μπορώ να αγνοήσω.

Και πρόσθεσε: Οτιδήποτε κάνετε θα είναι κατάχρηση της αισθητικής κάποιου άλλου. Νομίζω ότι έχεις γεννηθεί καλλιτέχνης ή όχι. δεν θα μπορούσα να το έχω μάθει. Και ελπίζω να μην το κάνω ποτέ γιατί το να γνωρίζεις περισσότερα ενθαρρύνει μόνο τους περιορισμούς σου.